Styling en el Diseño Industrial

Se da luego de la Primer Guerra Mundial en 1918. La cantidad de productos iba en aumento por la industrialización y mecanización de los procesos. Gracias a esto tuvieron que implementar publicidad que estuviera orientada a hacer que el público comprar los productos ofrecidos.

Con la depresión económica de 1929 se da el que la gente deja de comprar.

El styling fue una filosofía del diseño que se fijó en hacer productos llamativos para los consumidores para que se vendiesen. Al contrario del funcionalismo. Su objetivo era hacer productos «bonitos» y generar la imagen de marca para hacerlas más atractivas.

Las formas utilizadas en esta época eran muy aerodinámicas, la forma de gota era usada muy frecuentemente.

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Se da un alto consumo debido a dos factores: el boom publicitario y el cambio de la forma. Antes de esto para hacer que compraran los productos les bajaban los precios poniendolos en ofertas, en este momento empiezan a utilizar más la publicidad para que compraran. Tenían que vender mucho para poder venderlo más barato. No se pensaba en un objeto/producto duradero.

En los años treintas se comienzan a utilizar materiales sintéticos como polímeros, pvc, caucho, poliéster y poliuritanos.

– Jonás Echeverri

Diseño Industrial en Latinoamerica

Parece ser que el diseño en Latinoamérica parte del oficio, de la técnica. El saber dominar algún material, lo que se llamaría lo artesanal, es decir que desde lo artesanal parte el diseño industrial. Cuando inicia ese proceso y se desarrolla a través del tiempo se adquieren conocimientos a partir de la experiencia. Por otro lado la competencia en los países latinoamericanos es baja, por no decir que en algunos casos nula; esa característica da ventaja a la identidad que se especialice en el tema permitiendo que siga creciendo.

El diseño Latinoamericano tiene ciertas características, como el contexto, una de las más importantes. Lo que tiene de importante esta característica son los materiales, Latinoamérica no tiene la facilidad para adquirir ciertos materiales como en Europa, así que se ve obligado a manejar materiales a su alcance como los materiales económicos como los locales.

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• Santiago Gil

Constructivismo Ruso

En las áreas del arte y el diseño, el Constructivismo fue una vanguardia artística que nació en Rusia, originada por las esculturas de influencia cubista de Vladimir Tatlin. Duró un breve período pero produjo un gran impacto en el diseño gráfico.

En 1913 Vladimir Tatlin regresa del viaje a Francia, donde había conocido el trabajo de Picasso, formará en Rusia un movimiento paralelo al Suprematismo, que se diferenciará del mismo por su búsqueda de un propósito social y del bien común. Tatlín iniciará este movimiento empleando materias y formas puras, cartón, vidrio, metal, con una practica formal y ordenando los elementos para realizar maquetas pertenecientes a la nueva vanguardia rusa.

La Revolución adoptará y difundirá al Constructivismo (y al suprematismo de Malevich), especialmente para aplicarlo en el diseño gráfico, logrando gran aceptación dentro y fuera de Rusia. La nueva imagen de la URSS incluirá carteles y afiches de propaganda para influir a la sociedad. Entre las figuras más representativas se pueden mencionar, además de Tatlin, a Alexander Rodchenko, Naum Gabo, Antoine Pevsner, Mikhail Larionov, Stepanova, Exter, Liubov Popova y El Lissitzky.

Gabo y Pevsner publican en 1920 el Manifiesto realista, empleando por primera vez la palabra “constructivismo” para designar este movimiento. A partir de entonces se dividen dos tendencias:
– Una liderada por Tatlin y Rodchenko, tiene un carácter utilitario, y se pone al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño, convirtiendo el arte en un producto más. En 1921, 25 artistas liderados por los dos artistas mencionados, renunciaron “al arte por el arte” e hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles, para dedicarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
– La otra es simplemente estética y defiende la libertad de creación. Llega a Europa en 1921 y 1922. La representada por Kandinsky, Malevich, Gabo y Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de arte (y se volcarán al Suprematismo).

Buscando formular una ideología constructiva, Aleksei Gan, diseña el folleto Konstruktivizm en 1922, donde criticaba a los pintores abstractos. Gan escribió los tres principios del constructivismo: la arquitectura, la textura y la construcción (La primera representa la unificación de la ideología comunista con la forma visual, la segunda significa la naturaleza de los materiales y cómo son empleados y la última simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual). Ese mismo año se celebra la “Primera Exposición” del Constructivismo, en Berlín en la Galería Van Diemen, mientras en distintas revistas europeas se divulgan los principios del constructivismo ruso. Moholy-Nagy será quien lo introduzca en la Bauhaus y en su obra teórica y práctica de los años treinta.

La personificación del ideal constructivista fue El Lissitzky (pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo), así como también los talleres/escuelas Vorkus y Vchutemas.

A pesar de la importancia del Constructivismo para la gráfica y el diseño industrial soviéticos, la inestabilidad que se produjo luego de la revolución, hizo que los artistas que no abandonaron el país fueron arrastrados a la pobreza y al olvido, y que muy pocos proyectos se llevaran a cabo (por lo cual el Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones, cerámicas y grafismos). Algunos artistas desaparecieron en campos de concentración y solo tuvieron éxito quienes emigraron a occidente.

Santiago Gil

constructivismo ruso es similar a muchos movimientos que parten y/o se basan en el arte, un tipo de lenguaje y no suelen durar muchos años activo. Éste tipo de movimiento tiene un fuerte enemigo con el cual debe ir de la mano. la política, es un gran obstáculo ya que depende en gran medida de ésta, como los fondos o las exposiciones, ya que si los llegase a ofender buscarán la manera de acabar con el movimiento responsable. En otros casos influye el estado político entre las naciones, por la forma de vida que se permita al interior de éstas; a lo que se llamaría épocas, éstas cosas pueden hacer fortalecer un movimiento o puede hacer que se desmorone acabando lentamente o de golpe dependiendo de las cosas que lo afecte y como lo afecte. Posiblemente el constructivismo ruso hubiese podido durar más si tan solo la época en la que se generó hubiera sido distinta, más sin embargo desde otro punto de vista fue por ésta época por lo que surgió, por los personajes y como se relacionaron entre ellos

Jonás Echeverri Cruz

El Constructivismo es un movimiento de vanguardia que surgió en Rusia hacia 1913. Nació varios años después que la Revolución, considerada la propulsora de la Revolución Rusa de 1917 con la que se elimina el gobierno zarista y se crea la URSS. Los artistas rusos apoyaron a través del arte a esta revolución, pues estaban en contra del antiguo orden social y del arte conservador. Esta vanguardia significaba que todas las obras que se realizaran deberían ser una construcción, la obra debía estar articulada como un edificio y por lo tanto se debía realizar con métodos similares a la realización de un edificio. De ahí el carácter rígido y matemático que poseen muchas obras.
Fue en este contexto político, económico y social en el que el constructivismo se desarrolló, traspasó fronteras e influyó de forma notable en el diseño gráfico y en la tipografía de ese siglo.

http://www.delyrarte.com.ar/sitio/histsuprem.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo

http://www.masdearte.com/item_movimientos.cfm?noticiaid=64

http://www.unostiposduros.com/paginas/construc.html

http://www.portaldearte.cl/terminos/constructivismo.htm

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/constructivismo.htm

Rodrigo Torres

Nacido en Bogotá -. Colombia
En 1998 obtuvo la licenciatura en Diseño Industrial de la Facultad de Diseño Industrial de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y recibido el Master en Diseño en la Domus Academy de Milán, en 1999. En 1997 ganó el premio Mario Santo Domingo a los mejores estudiantes de diseño y arquitectura de Colombia e hizo un escenario en el CID (Centro Diseño industrial) a Whirlpool Europe (Italia).
En 1998 participó con su tesis final en los nuevos diseñadores Exposición en Londres, que participó en el Business Design Centre. Desde 2000 hasta 2004 trabajó como diseñador para Stefano Giovannoni de estudio en Milán.
En 2005 y 2008 ganó el premio de diseño «Lápiz de Acero» con Morfeo y la silla de Manta.
Ha trabajado para importantes empresas internacionales como Alessi, Poliform, Oras, Cassina IXC, Nike, Microsoft (con MNML), Domodinamica y Potocco entre otros.
En 2006 participó en la exposición «La Fabbrica del diseño» organizado por la Domus Academy y el municipio de Milán. En 2012 participó en la exposición «Lost in Translation», organizado por la Domus Academy.

En 2013 participó en la exposición «Maestros diseñadores para Patrizia Pepe «, organizado por la Domus Academy y la firma de moda Patrizia Pepe. Su trabajo ha sido publicado en algunos de los diseños más important publicaciones en Europa, Asia y América. Él ha sido profesor y jefe de proyecto para el máster de producto y diseño de interacción en la Domus Academy de Milán y profesor visitante en el Istituto Europeo di diseño en Turín.
Se ha celebrado conferencias en varias universidades de Italia y Colombia.

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Jonás Echeverri

Santiago Gil

El conocimiento que obtuvo Rodrigo Torres acerca del diseño industrial es heredada de todas las personas relacionadas con el tema de diseño y de industrial, este conocimiento lo llevó a trabajar con grandes empresas en la actual alessi, sus diseños son de uso cotidiano de como ver y habitar en y con un objeto desde una estética diferente algo en lo que el dispone su estilo formal en objetos usando metodologías basadas en la formación de este diseñador. Parecido a muchos diseñadores, no parece algo nuevo, sin embargo lo novedoso son las ideas que van de la mano con su estilo para desarrollar cosas tan comunes como una silla a un tajalapiz, objetos que pueden llegar a enamorar a simple vista.

http://www.rodrigotorres.com/137239/about

Henry Cole

Henry Cole, Pionero del Diseño Moderno (1808-1882), funcionario civil ingles, junto a un grupo de seguidores, inicia en su país en el año de 1845 un movimiento que pretende eliminar la brecha existente entre el industrial y el artista o diseñador, y estimular así el gusto de los usuarios. En palabras del propio Cole, el objetivo central era “demostrar la unión del mejor arte con la manufactura”, había que reformar la producción, y pensando que “una alianza entre arte y fabricante promovería el gusto del público”, convención a destacadas empresas de la época para que aceptaran la colaboración del proyectista en la elaboración de sus productos.y creó la firma Felix Summerly´s Arts Manufacrurers con el fin de lanzar comercialmente los objetos diseñados por artistas y amigos suyos. El siguiente paso fue editar el Journal of Design and Manufactures, primera publicación sobre diseño en la historia, que circulo de 1849 a 1852. este proyecto se convirtió en portavoz de su reforma.

Sin embargo en las primeras producciones se copia la producción artesanal (no hay innovación, solo copias malas, decadencia de estilo debido a la desaparición de los talleres reales (al terminar el absolutismo) desaparecen los buenos artesanos y no hay colaboración entre artistas e industrias y al contratas a dibujantillos se hacen cosas muy feas. Hay un exceso de ornamentación sobretodo mezcla de estilos. Entonces surge el movimiento para la reforma de las artes aplicadas.

Se crearon escuelas de artes aplicadas para mejorar la estética y formalmente dentro de etse movimiento hubo una persona muy relevante que es el ya anteriormente mencionado señor Henry Cole , fue el quien además creo las artes aplicadas y el museo de Victoria y Alberto Museo Nacional de Arte y Diseño (en inglés, The Victoria and Albert Museum, National Museum of Art and Design) es el museo más grande del mundo de artes decorativas considerado en sí una obra de arte. Cuenta con inmensos recursos para los estudiantes de diseño ya que contiene la colección nacional de artes aplicadas.

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Jonás Echeverri Cruz

Henry Cole, cambio por completo la perspectiva que se ver el aspecto industrial ya que lo el principalmente quería era industrializar de alguna manera lo que se venia trabajando industrialmente, Cole desde siempre estuvo muy interesado por el diseño industrial y gracias a ello, logro diseñar varios objetos los cuales incluso llegaron a la producción, incluso, se llevo un premio por la tetera que diseño (La cual se encuentra entre las imagenes).

Santiago Gil

Henry Cole intentó llevar algo muy importante y valioso al sector productivo industrial o más bien consiguió una forma de ver al sector industrial, una clave que podría dar un gran impulso a ese sector y consistía en llevar el sector artesanal al sector industrial, cosas muy distintas de hecho la gran mayoría les considera como antónimos, sin embargo pueden trabajar muy bien los dos consiguiendo resultados extraordinarios; Esa idea parecía ser fenomenal, lástima que a Henry Cole no le funcionó por razones como de la desaparición o negación de buenos artesanos haciendo que los resultados obtenidos no dieran buen fruto. Por otra parte Henry Cole creó el más grande museo de artes decorativas el cual sirve a muchas personas que quieren saber o inmiscuirse en este mundo.

• La Idea y la materia vol.1 de Isabel Campi editorial GGDiseño
• http://industrialdesignart.blogspot.com…

Henry Van de Velde

El arquitecto y diseñador Henry van de Velde, nacido en Amberes en 1863, se convirtió en Weimar en el precursor de un nuevo estilo. Armonizó belleza y razón. Una entrevista con Thomas Fohl, doctorado en historia del arte, y Representante Especial del Presidente de la Fundación Clásicos de Weimar y experto en van de Velde, sobre “el artista total».Sr. Fohl, Henry van de Velde se inició como pintor. ¿Cuál fue el impulso que lo hizo abandonar la pintura en 1893 y volverse hacia las artes aplicadas, al diseño de espacios de vida y finalmente al diseño de casas?

Van de Velde quería destacar como innovador en el amplio sentido de la palabra. El ejemplo del “movimiento de artes y oficios” inglés le dio el impulso a principios de 1890 para volverse hacia las artes aplicadas. En la agitación del principio del Modernismo que comenzaba en 1895, aquellos interesados en arte en Europa miraban entusiasmados a este flamenco quien parecía capaz, como ningún otro, de empujar la puerta y abrirla a una nueva era de palabra y obra. Se veía sí mismo como un apóstol de este futuro estético, como profeta de la transición desde una era agotada por el historicismo a un nuevo estilo que correspondería al “nuevo hombre” de Nietzsche.

Al ponerse determinadamente por encima de toda tradición, van de Velde también ignoró los límites entre el arte y la artesanía y creó un canon que virtualmente se aplicaba al diseño de cualquier área de vida: la construcción de una casa, la decoración de una habitación, la forma del vestuario y la joyería, y también de objetos cotidianos desde lámparas y muebles hasta abridores de cartas. El “artista total” se mantuvo fiel a la convicción que expresó en aquel entonces durante toda su vida: el diseño de un objeto está mejor logrado cuanto más exacta sea su correspondencia en torno a su función. Se mantuvo leal a la idea de que las cosas bellas que armonizan con lo que las rodea regocijarían y elevarían al hombre.

La belleza de las cosas cotidianas

Los primeros éxitos los celebró en Bruselas y París. Sus primeros clientes alemanes los adquirió en 1897. Pronto la mayoría de sus clientes eran alemanes. ¿Qué valoraban en particular de su trabajo?

Los primeros clientes alemanes provenían de una élite cosmopolita e intelectual. Alemania era como Bélgica, un estado joven y ambicioso. Estaban más abiertos a nuevas ideas que los tradicionalistas franceses. Los clientes alemanes de van de Velde eran ricos y sobre todo sentían curiosidad por su mensaje. Como un mago, les abrió los ojos ante una belleza hasta el momento desconocida: la belleza de las cosas cotidianas. Les dio a sus clientes la sensación de disfrutar sus nuevos espacios habitacionales, que se contrapuso a aquel ambiente viejo y saturado de sus padres, de tal forma que hoy sería difícilmente comprensible.

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Jonás Echeverri Cruz

Van de Velde es considerado como el precursor de lo que conocemos como el movimiento moderno, aunque fue muy inspirado por el movimiento del Art’s & Craft y fue quien de alguna manera unifico la relación entre funcionalidad y estética, no solo en el diseño industrial, si no también en la arquitectura, por lo que más se preocupaba era por «mezclar» de una manera armoniosa la faceta artística con la funcional de un objeto, fue el que introdujo el termino del «Artista Total» y similar con Peter Berhens es alguien formado en muchos aspectos los cuales aprovecha a fondo a lo largo de su carreray siempre tuvo en cuenta que dichos objetos que fuesen diseñados  tenían que poderse fabricar de manera industrial, sin perder la esencia artesanal.

Santiago Gil

Henry Van de Velde empezó por el camino de entender composiciones iniciando como pintor, al dominar esta técnica o gran parte de ella decidió explorar lo tridimensional, esto lo llevó a un mundo donde los objetos eran simples en ese tiempo, al tener composiciones en su cabeza le fue fácil idear alteraciones o cambios estéticos creando una lógica propia de un estilo nuevo aprovechando los materiales y la tecnología de la época.

http://www.goethe.de/ins/cl/es/sao/kul/mag/bku/10697619.html

Peter Behrens

El profesor Peter Behrens fue un verdadero hombre del Renacimiento en el sentido más amplio de la palabra. Pasaba de una disciplina a otra con facilidad: pintura, diseño gráfico, arquitectura y diseño de mobiliario. Cuando llegó a AEG, trajo consigo una filosofía del diseño sencilla e impactante que rápidamente se convirtió en el sello perdurable de nuestra empresa y sus productos.

Cada una de nuestras nuevas generaciones de productos se diseña haciendo uso de la experiencia que nos ha proporcionado una dilatada trayectoria de éxitos.

En 1907, Peter Behrens publicó «El arte en la tecnología», la base de «perfekt in form und function» (diseño y funcionalidad perfectos). AEG acudió a él para que se convirtiera en el primer diseñador industrial del mundo, y diseñadores famosos como Mies van der Rohe y Le Corbusier trabajaron bajo sus órdenes.

Behrens colaboró con algunos de los nombres más importantes del Modernismo, a los que sirvió de inspiración, entre los que se incluyen el fundador de la escuela Bauhaus, Walter Gropius. En los años posteriores a 1914, los diseñadores Wilhelm Kreis y Hans Krebs también fueron asesores internos de AEG, bajo la supervisión de Behrens

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Jonás Echeverri Cruz

Peter Behrens ha sido una gran influencia no solo para la arquitectura con el gran riesgo que tomo al manejar nuevos medios, si no también para el diseño, tanto gráfico como industrial, siendo considerado como el primer diseñador industrial, incluso en el arte se vio como participe. El fue una gran influencia para todos los ámbitos donde trabajo, fue de las personas que se lanzaban a lo nuevo, se arriesgaban a hacer cosas que se podrían considerar «locas», se iba fuera de los limites que podría encontrar, como muchos de nosotros hoy en día, llegamos hasta donde piden o como lo piden, no miramos más allá de esa barrera la cual nos podría abrir un mundo entero de posibilidades como lo hizo Peter, y de hecho al ser participe del Art Nouveau tiene un estilo en sus obras bastante particular, muy elegante y decorado, sin perder su funcionalidad.

Santiago Gil
Peter Behrens tenía una forma particular de ver al mundo, la cual quiso compartir con los demás a través del inculca miento del conocimiento que el poseía a personas que aspiraban ser como el, claro está que no todos entendemos las cosas de la misma manera, ni hacemos las mismas cosas con exactitud, por eso Behrens se destaca, además aparir de el fue que se organizaron artistas que han y seguirán influyendo con sus creencias y determinaciones lo que hoy en día es nuestro diario vivir.

http://www.aeg.com.es/promociones-y-catalogos/aeg-heritage/